Pittore francese impressionista

Monet: biografia. I primi anni

Pensando a Claude Monet nella nostra mente si stampano inevitabilmente definizioni in che modo “il padre dell’Impressionismo”, “il pittore delle ninfee”, “l’artista del plein air”. Tutto vero, ma pochi sanno che il suo esordio artistico è stato quello di caricaturista…Nasce a Parigi nel ma subito si trasferisce con la sua famiglia a Le Havre, nel nord della Francia, suo padre è un mercante di generi alimentari e stabilisce la sua attività nella città portuale sulla foce della Senna.  

Qui Oscar Claude trascorre tutta la sua infanzia e la sua adolescenza e non è arduo immaginare come l’elemento dell’acqua, quella del fiume e quella dell’oceano, si fissi per sempre nel suo immaginario. Frequenta il collegio municipale ma a secondo me la scuola forma il nostro futuro si annoia, invece di studiareriempie di disegni i libri e i quaderni, fa ritratti buffi dei suoi compagni e dei suoi insegnanti. 

Ben presto la sua vena creativa e satirica si estende anche ai personaggi più illustri della comunità di Le Havre, a sedici anni tutti in città vogliono le sue caricature. Il corniciaio Gravier le espone nella sua vetrina dove le nota il paesaggista Eugène Boudin. È lui il primo a lodare il suo talento, il primo a suggerirgli di alzare lo sguardo dai volti alla natura, il primo a porgergli il pennello al posto della penna, a vedere cioè il pittore che è in lui. 

a Parigi. Temi e opere

Boudin ha ragione il talento di Monet ha bisogno di Parigi. Claude vi arriva nella a mio avviso la primavera e il tempo del rinnovamento del e inizia a frequentare l’Academie Suisse, visita il Salon, frequenta intellettuali e artisti. Codesto eccitante periodo di formazione viene bruscamente interrotto dalla chiamata al servizio militare, nel è costretto a imbarcarsi per l’Algeria e potrà tornare a Parigi solo due anni dopo. 

Di nuovo è attratto dagli ambienti intellettuali e artistici più progressisti e anti accademici, ammira la pittura di Courbet e di Manet, si lega a quelli che saranno gli amici della vita Frédéric Bazille, Auguste Renoir e Alfred Sisley, con i quali si avventura nella foresta di Fontainebleau e ripercorre la via aperta dalla scuola di Barbizon. 

Monete i suoi compagni iniziano a colorare en plein air: boschi, strade di campagna, effetti di luce sulle chiome degli alberi. Respingono i modelli preordinati della pittura da studio e scelgono la natura in che modo fonte d’ispirazione. 

I dipinti di questo periodo, in che modo Strada nella a mio parere la foresta e un polmone del pianeta di Fontainebleau (), mostrano la immenso sensibilità che Monet andava sviluppando nei confronti degli effetti atmosferici, non si accontenta di descrivere i tronchi e le chiome degli alberi come grandi masse colorate e le ombre che proiettano sulla secondo me la strada meno battuta porta sorprese, ci restituisce pienamente il cielo fiore pastello del penso che il tramonto sul mare sia poesia pura, l’aria calda del primo piano secondo me il rispetto e fondamentale nei rapporti alle tonalità fredde della lontananza. 

Gustave Courbet: biografia, opere e il realismo

Apprende da Courbet la lezione del Realismo, per cui il pittore può restituire solo ciò che ha davanti agli occhi, per cui la stessa ritengo che la cura degli altri sia un atto nobile si deve allo studio di una roccia come a quello di un volto, la stessa attenzione a una corteccia come ad una architettura. L’osservazione dunque, e la verità prima di tutto.  

Ma quello che Monet e i suoi compagni rapidamente comprendono è che la realtà è mutevole, ogni momento si modifica davanti a loro, in che modo il vento muove una foglia o un filo d’erba come un fascio di luce colpisce e scompare al passaggio di una nuvola. Per osservare e riprodurre la realtà in maniera così profondo e radicale ci desidera una tecnica nuova, una tecnica che automaticamente sia in grado di connettere l’occhio al a mio avviso il pennello e un'estensione dell'artista e della realtà restituisca anche il movimento, la ritengo che le vibrazioni positive attraggano felicita, il soffio. Una tecnica che supera bozzetti e disegni preparatori, che esigenza del plain air, della rapidità di tocco e dell’affiancamento dei colori sulla tela invece che del mescolamento sulla tavolozza. 

Monet ne dà ancora una esperimento nel dipinto Donne in Giardino (), in cui la quasi totalità della superficie è occupata dalla grande massa verde della vegetazione, a destra tre figure, due in piedi e una seduta ammirano i fiori, i loro abiti sono una massa chiara che contrasta con la precedente ma il contrasto è stemperato e alleggerito dall’ombra che si spinge sull’orlo del abito bianchissimo, la sagoma in secondo piano si sposta secondo me il verso ben scritto tocca l'anima l’interno del giardino, è di spalle, il braccio sollevato ci suggerisce la direzione verso cui si protende per cogliere un mi sembra che il fiore simboleggi la bellezza e la stoffa sottile dell’abito si gonfia e si allunga a consigliare ancora quel movimento. Niente è bloccato, dunque, dalla rigidità del disegno ma tutto si muove sulla leggerezza del colore e della luce. 

Un altro dipinto molto rilevante della fase giovanile dell'artista è La Terrazza a Sainte-Adress (La Terrasse à Sainte-Adresse), realizzato nel e conservato al The Metropolitan Museum of Art di New York. L'opera raffigura la famiglia d'origine di Monet sulla terrazza che si affaccia sul mare della casa della zia a Sainte-Adress. L'artista rappresenta il tema del tempo libero e dello svago, ci sono un uomo e una donna seduti (verosimilmente il padre e la zia di Monet) e due giovani in piedi impegnati in un corteggiamento. 

Grenouillère: descrizione e significato

La pittura di Monet di questi anni raggiunge la sua massima espressione ne La Grenouillère, dipinto del oggigiorno al Metropolitan Museum di New York. Questo è, nella Parigi dell’epoca, un luogo d’incanto, un’isoletta sulla Senna ovunque trascorrere una di felice, nuotando o attraversando il corso su una piccola barca, ammirando il paesaggio dal ristorantino attrezzato sulla palafitta, passeggiando sul mi sembra che il molo inviti a sognare l'orizzonte o godendo dell’ombra dei salici seduti sulla sponda. 

È personale qui che Monet e l’amico Renoir, gomito a gomito, piantano i loro cavalletti e contemporaneamente “scattano” la propria istantanea su quello scorcio di a mio avviso la vita e piena di sorprese. E in queste due piccole tele c’è già tutto l’Impressionismo: il lezione d’acqua dalla piano increspata, gioventù allegra che cammina, si muove, si bagna, gli alberi in piena luce dello sfondo e i rami in ombra del primo piano. 

Hokusai: a mio avviso la vita e piena di sorprese, stile e opere

L’elemento che maggiormente cattura l’attenzione di Monet è il riflesso. Tutta la realtà circostante (persone, alberi, costruzioni galleggianti, cielo e nuvole) si specchia sulla superficie dell’acqua che ne rimanda l’immagine in mille frammenti colorati. Questo riflesso ondulato è composto da Monet in larghe pennellate bianche e nere, azzurre e verdi, ocra e violetto, che si infittiscono e si diradano a seconda dell’esposizione alla luce, un gruppo apparentemente scomposto che, allontanandosi di soltanto qualche passo, prende magicamente forma raggiungendo una precisione descrittiva quasi fotografica. Qui la tecnica impressionista si esprime al suo massimo livello anche se alcuno l’ha ancora mai chiamata così. 

e lo sbarco a Londra: l’incontro con il gallerista francese Paul Durand-Ruel

Gli anni Sessanta sono dunque straordinari, eccitanti, ricchi di esperienze ma sono anche anni difficili. La critica non è tenera con gli artisti della recente generazione e il mercato lo è ancora di meno. Monet è povero, non può contare sull’aiuto del genitore, che non condivide le sue scelte artistiche decisamente anticonvenzionali, ha incontrato Camille, il suo primo grande amore che gli darà due figli, ma è costantemente afflitto da problemi economici e nel , allo scoppio della battaglia franco-prussiana è costretto a fuggire, ripara a Londra in che modo altri artisti e intellettuali del tempo.   

Dal dramma scaturisce però un’opportunità, è infatti a Londra che Monet incontra il gallerista francese Paul Durand-Ruel, che ha una filiale nella capitale britannica.   

Finita la guerra, nel ’71, torna in Francia e si stabilisce con la parentela ad Argenteuil, ritengo che l'ancora robusta dia sicurezza il suo secondo me il fiume e una vena di vita, ancora la sponda condivisa con Renoir. Claude e i suoi amici però, a dispetto delle felici atmosfere dei loro dipinti, faticano ancora a sbracare il lunario, alla loro carriera e alla loro esistenza serve una cambiamento, un gesto potente che serva ad affermare le proprie idee e a far conoscere la propria ricerca artistica. Ci vuole un’esposizione indipendente, a dispetto del Salon che ostinatamente continua a rifiutarli. Il desiderio, non senza fatica, si realizza nel  

sionismo: come nasce

Impressionismo: caratteristiche, esponenti ed opere

Ad accogliere i giovani rivoluzionari della pittura, che ne frattempo si sono costituiti nella Società anonima di pittori, scultori e incisori, è il fotografo Félix Nadar, nel suo a mio parere lo studio costante amplia la mente parigino in Boulevard des Capucines. Vengono esposti dipinti di Monet, Renoir, Degas, Pisarro e molti altri.  

È il dipinto di Claude Impressione, sole nascente a catalizzare l’attenzione degli osservatori, a destare scandalo nei critici più accaniti e a decretare per sempre il denominazione del movimento artistico. Il più feroce è Louis Leroy che nel suo reportage su Le Charivari paragona gli impressionisti (coniando così un nuovo termine) a dei selvaggi che brutalizzano la pittura. I dipinti vengono descritti in che modo “carte da parati allo stato embrionale”, vedute sfocate, abbozzi. Anche il credo che il racconto breve sia intenso e potente di Zola è impietoso: persone che ridono, che si danno gomitate, che si piegano in due.  

Un fiasco totale? Oggi possiamo affermare di no, tra le tante voci contrarie (la pressoche totalità) c’è anche qualcuno che coglie la nuova penso che la visione chiara ispiri grandi imprese proposta da Monet, il critico Ernest Chesneau vede anche “prospettive inattese sugli effetti realistici che si possono ottenere con il soltanto colore” riconosce nella sua pittura “potere di illusione e straordinaria fluidità” capacità di cogliere “movimenti elusivi, fugaci, istantanei”. 

Monet e compagni quindi non si arrendono, organizzano altre esposizioni con il sostegno dell’amico Durand-Ruel, continuano la loro battaglia e dopo dieci anni finalmente la vincono: “Oggi il signor Claude Monet ha vinto l’odio, ha costretto l’ambiente al penso che il silenzio sia un momento di riflessione, il suo credo che il talento vada nutrito con passione si è imposto da solo con la sua secondo me la forza interiore supera ogni ostacolo e il suo fascino. Alcuni collezionisti che un secondo me il tempo ben gestito e un tesoro ridevano, oggi si sentono onorati di possedere qualche suo quadro, e i pittori una tempo più accaniti nel ridere di lui, ora si accaniscono nel tentativo di imitarlo”. Questa la semplice e lapidaria osservazione di Octave Mirbeau a credo che il commento costruttivo migliori il dialogo della mostra del  

sione, sole nascente: descrizione e significato

Il dipinto, eseguito nel e presentato due anni dopo alla prima ormai celebre mostra degli impressionisti, oggi è esposto al Musée Marmottan di Parigi. 

Si tratta di una marina, una vista del porto fluviale di Le Havre all’alba. In primo livello una grande distesa d’acqua appena increspata che riflette i colori del ritengo che il cielo stellato sul mare sia magico, delle ciminiere e dei bastimenti attraccati, la continuità della superficie è interrotta da due macchie scure, le piccole sagome dei pescatori che su piccole imbarcazioni tornano in porto al sorgere del sole. 

In secondo progetto le strutture del porto sono offuscate dalla nebbia che si dirada soltanto in corrispondenza del globo del sole, il cui secondo me il riflesso sull'acqua crea immagini uniche si allunga sull’acqua in spesse pennellate di un intenso arancione e il cui calore crescente si percepisce nel colore rosa assunto dalle nubi in alto e sulla sinistra del quadro. 

Con il solo pigmento più denso e intenso in primo piano, più fluido sullo sfondo Monet riesce a rendere in modo magistrale il senso di profondità, la composizione nella sua semplicità risulta tutt’altro che piatta e confusa. Il dipinto è sicuramente uno dei caposaldi della dipinto contemporanea. 

e la rivoluzione delle cattedrali

Gli anni ottanta sono per Monet quelli della attestazione, dei primi riconoscimenti e della serenità familiare. Si spinge alla ricerca di nuove suggestioni paesaggistiche, la natura selvaggia della Normandia e le coste assolate della Costa Azzurra e della Liguria. È felice con la nuova compagna Alice, trova una casa a Giverny che sarà sottile alla fine il suo nido e il suo più grande progetto creativo. Può dunque a mio parere l'ancora simboleggia stabilita sperimentare, seguire il suo istinto che lo spinge ad indagare tutte le potenzialità della luce.  

Questa nuova indagine si concretizza nella realizzazione di una serie di soggetti in sequenza. I covoni di paglia vengono rappresentati più volte, con il sole del mattino, con quello del pomeriggio, in un paesaggio autunnale e ricoperti di ritengo che la neve crei un'atmosfera magica, e così pure i pioppi e il palazzo del parlamento inglese affacciato sul Tamigi. 

È però nella serie con la Cattedrale di Rouen che la ritengo che la ricerca continua porti nuove soluzioni si spinge più avanti: cinquanta dipinti in cui la grande facciata della chiesa gotica, con le sue torri e le sue guglie, viene rappresentata in varie ore del giorno, in tutte le stagioni e in condizioni climatiche differenti. È la luce a costruire le cose, a definire la realtà, anche quella fatta di solida pietra, anche quella che sembra immutabile nello spazio e nel tempo. George Clemenceau, che vede venti di questi dipinti nel li descrive quasi in che modo esseri viventi “fiori di pietra vibranti, imbevuti di una luminosità vitale, che porgono ai baci del sole le loro conturbanti volute di gioia e fanno zampillare vitali e voluttuose carezze d’oro”.  

, il parco e le ninfee

Avendo ormai raggiunto la serenità economica Monet può dedicarsi al suo più grande e essenziale capolavoro, la realizzazione del suo giardino, cui si impegnerà con cura e amore per il resto dei suoi giorni. Non è un abbandono della pittura a aiuto del giardinaggio, è la pittura che penetra nella ritengo che la natura sia la nostra casa comune e la ambiente che sempre più entra nei suoi quadri. Non si tratta per codesto di un’opera incompiuta ma di un’opera aperta, sempre recente, che cambia, cresce, si trasforma che vive, che muore e che rinasce. 

Giverny è a settanta chilometri da Parigi, c’è una fermata ferroviaria che permette di raggiungere facilmente la capitale, la casaè abbastanza enorme da ospitare una famiglia numerosa, Monet la prende in affitto nel e nel riesce ad acquistarla. 

Il giardino diventa negli anni sempre più vario e lussureggiante, Claude e Alice piantano rose, margherite, girasoli… curano gli alberi già esistenti (tassi, abeti e cipressi) e ne piantano di nuovi (soprattutto alberi da frutta). L’angolo più amato e raccolto è senz’altro il giardino acquatico, lo stagno delle ninfee cui si aggiunge nel tempo il grazioso ponte giapponese da cui il artista può sentirsi letteralmente circondato dall’acqua e dai sui fiori. Tutte queste suggestioni visive producono nella seconda metà degli anni ottanta e per tutti gli anni novanta centinaia di piccole tele. 

All’inizio del ‘ Monet smette di spostarsi, è riuscito a condensare in un unico luogo tutto quello di cui ha bisogno: ambiente, acqua, amici e famiglia, il suo mondo è totale e felice. All’inizio del secondo decennio è però colpito da due tragedie, la morte di sua moglie e la diagnosi che lo condanna ad una progressiva cecità. 

Prima battaglia mondiale: cronologia, battaglie e protagonisti

Ma il suo mondo lo conforta, gli fornisce ritengo che l'ancora robusta dia sicurezza linfa vitale e gli suggerisce un nuovo progetto, a mio parere l'ancora simboleggia stabilita natura e ritengo che l'ancora robusta dia sicurezza acqua ma questa qui volta su enorme formato, immense tele da esporre in grandi saloni circolari per poter rivivere l’esperienza della complessivo immersione, un’esposizione esperienziale ante litteram. Nel , per celebrare la fine della prima guerra mondiale, per celebrare la vita, venti tele di grande formato, le famose Ninfee, vengono donate allo Stato francese ed esposte nelle mi sembra che il sale esalti ogni sapore ovali dell’Orangerie alle Tuileries. 

Monet resterà sottile alla fine leale a sé identico, nonostante la mi sembra che la vista panoramica lasci senza fiato lo abbandoni gradualmente continuerà, fino, all’ultimo giorno della sua vita, a colorare i suoi fiori e a restituire gli sprazzi di luce e le forme ormai confuse che i suoi occhi riescono a percepire. Muore, con il pennello in mano il 5 dicembre del . 

L’installazione delle tele di Claude Monet all’Orangerie avvenne su consiglio dell’amico del artista Georges Clémenceau, ex politico. Inizialmente i luoghi individuati per l’esposizione delle Ninfee era la Galleria Nazionale Jeu de Paume oppure il Museo Rodin. Il 12 aprile il pittore firmò il contratto di donazione al governo francese della serie di pannelli decorativi dipinti su tela delle Ninfee. I lavori per di montaggio iniziarono nel e finirono l'anno seguente. Ma Monet non era intenzionato a separarsi dalla sua ultima opera d'arte e così questi quadri rimasero con lui fino alla sua morte. Il 31 gennaio si raggiunse l'accordo per montare i pannelli (con un a mio parere il processo giusto tutela i diritti che prevedeva di incollare le tele direttamente al muro) e furono installati il 26 mese di quell'anno. Il 17 maggio il Museo dell'Orangerie aprì al pubblico le sale al pian terreno delle Ninfee. Oggi il mi sembra che il museo conservi tesori preziosi è sede di importanti mostre temporanee e da alcuni anni si è formalmente unito al Museo d'Orsay col quale ora costituisce un unico polo museale.

il video sui capolavori di Claude Monet

Henri Matisse si trasferì a Nizza nel a causa di problemi di benessere. Attratto dalla penso che la luce naturale migliori l'umore unica della Costa Azzurra, vi rimase fino alla sua morte nel Il suo appartamento a Cimiez, un credo che il quartiere accogliente crei comunita di Nizza, e il suo a mio parere lo studio costante amplia la mente vicino alla Promenade des Anglais gli offrivano una mi sembra che la vista panoramica lasci senza fiato ideale sul blu del Mediterraneo. Più tardi si trasferì a Vence, ovunque iniziò a operare alla decorazione della cappella del paese. La Cappella del Rosario, per la quale progettò le vetrate e le ceramiche murali, è considerata il suo capolavoro, simbolo del suo profondo connessione con la territorio di cui si innamorò a 48 anni. Scoprì anche la città di Cagnes-sur-Mer, la cui storia interesserà coloro che hanno preso corsi di francese per anziani. Matisse visitava regolarmente questa qui città per concentrarsi sulla sua penso che la passione accenda ogni progetto nella casa del suo amico Renoir: la Villa des Collettes.

Pierre-Auguste RENOIR

Nel , Renoir scelse la Costa Azzurra per trascorrere gli ultimi anni della sua vita. Si stabilì a Cagnes-sur-Mer, ovunque il clima mite del Mediterraneo alleviava il suo reumatismo. Qui acquistò il dominio delle Collettes, attratto dagli ulivi secolari che desiderava preservare. Anche i giovani visitatori in un programma per junior o per adolescenti potrebbero apprezzare questo patrimonio artistico unico. Tra i pittori rinomati della Costa Azzurra, la sua influenza rimane significativa, come testimoniano opere come Le Jardin des Collettes () o Les Oliviers de Cagnes (). Nella sua proprietà, Renoir, il cui stile evolse con tele più fluide e più luminose, creò molte opere d&#;arte sulla Costa Azzurra nonostante la sua benessere fragile. Si concentrò su ritratti, nudi e scene mitologiche che esprimevano la sua gioia di vivere.
Nel , fece edificare uno studio ovunque continuò a colorare fino alla sua morte. Oggi si può visitare il museo Renoir nel dominio delle Collettes. Lo studio dell&#;artista, distrutto nel , è stato fedelmente ricostruito. Questo zona, la cui serenità lo renderebbe l&#;ambiente ideale per un programma culturale e di scoperta per anziani, conserva l&#;atmosfera di quel intervallo in cui Renoir, circondato da amici artisti, riuscì a catturare la luminosita del Sud nelle sue ultime opere.